Entrevista a María José Alfonso, con motivo de su actuacion en el Centro Cultural El Madroño

 

Mª José Alfonso. Foto obtenida de su perfil de Facebook

Este viernes 8 de abril, a las 19:00 horas, tendremos la gran oportunidad de compartir un pequeño tiempo de nuestra vida con una leyenda de nuestros escenarios: María José Alfonso llega al Centro Cultural "El Madroño" a interpretar "Los textos de mi vida": un espectáculo donde, a través del hilo conductor de una bailarina, la veterana actriz va recordando anécdotas de sus funciones de teatro, sus comienzos, sus múltiples intervenciones en televisión y sus rodajes en cine.

Mª José forma parte de nuestra memoria histórica, pues lleva seis décadas deleitándonos desde los escenarios -pero también en las pantallas chica y grande- con sus interpretaciones. Ha trabajado con todos los grandes de este país (Alfredo Landa, Pepe Isbert,  Fernando Fernán Gómez, Analía Gadé, Alberto Closas, Amparo Soler Leal, ...) y su experiencia es enorme: Cine (El cielo abierto, entre otros títulos), Teatro (una de las fijas de los Estudio 1 de RTVE), y Televisión ("Escala en hi-fi", "Ana y los siete", "La huella de un crimen", ...) Es para nosotros un placer poder compartir con ella unos minutos ...

Entrevista realizada por José Antonio Guzman y Paula Guzman 

Hola Mª José. Encantados de hablar contigo, y de que nos hagas partícipe de tus recuerdos. Queríamos empezar esta breve entrevista por la obra que traes este fin de semana a Vicálvaro.. ¿En qué consiste? 

Hola. Pues se trata de textos que conforman una especie de entrevista sobre el trabajo que he realizado a lo largo de mi vida; acompañan a esta charla unos poemas recitados y bailados.

Como todos sabemos, tu carrera artística es más que dilatada ...

Sí, es cierto. Yo empecé e esto jovencísima; estaba estudiando y ya iba al Teatro Lope de Vega, pero de eso como os podeis imaginar hace ya mucho tiempo. Hice un cameo en una película de Mario Camus, "Los golfos", y luego "Vuelve San Valentin"; pero por supuesto, una de mís películas favoritas es "La gran familia".

Comenzaste fuerte, desde luego

Luego vinieron muchas otras. "Con el viento solano" con Antonio Gades y también dirigida por Mario Camus, es también muy querida por mí (Se trata de un título rodado en 1965 que lleva a la pantalla una novela de Ignacio Aldecoa). Y por supuesto "La niña de luto" con Alfredo Landa, dirigida por Manuel Summers. 

Tu último trabajo cinematográfico es bastante reciente: "Amalia en el otoño", de 2020, dirigida por Anna Utrecht y Octavio Lasheras. ¿Cómo fue esta experiencia?

Esta pelicula trata sobre una gente que vive en una residencia de mayores,  y que se niegan a que eso sea un cementerio de elefantes; es una especie de canto a la vida, a la amistad, a querer vivir, quiere mostrar a la gente mayor que intenta no estar  apartada y olvidada, ajena a la sociedad. He trabajado aquí con Máximo Valverde y Manolo Zarzo, compañeros de profesión de toda la vida y que siguen al pie del cañón. Y otros muchos más a los que no quiero mencionar, porque siempre se olvida algún nombre y eso me da rabia.

Pero aunque ahora hablemos de cine, tu carrera ha abarcado todos los  medios, ¿no es así?

Cierto, he hecho de todo: televisión, radio, teatro, cine, doblajes ... Me gusta todo; realmente el hecho físico de trabajar en lo que me gusta, me gusta mucho. Me lo paso muy bien trabajando.

Hay mucha gente de tu quinta que siguen en escena, actuando, como Charo López o José Sacristán. ¿Crees que es importante continuar en escena hasta que el cuerpo aguante?

Yo soy de la opinión de mantenerse activa mientras una pueda. Pero una cosa es mantenerse y otra morir con las botas puestas, como desean algunos compañeros; yo no, ése no es mi caso, no quiero morirme en un escenario, mi intención es seguir trabajando pero morirme donde me deba morir, no me apetece nada esa propuesta.

Mujer, el que actúes este próximo fin de semana  aquí en Vicálvaro es una buena señal, no nos vas a dejar en breve porque si no no subirías a escena  ...

Por supuesto, tenemos a María José para rato, eso espero, dar aún mucha lata

Algo que creemos que todos deberíamos saber es que has recibido un premio en los últimos meses: La medalla de honor del Círculo de escritores cinematográficos por toda tu carrera. Además la película a la que hacíamos mención previamente, "Amalia en el otoño", recibió la Medalla a la Solidaridad del Círculo de Escritores Cinematográficos en la pasada edición «por su visión positiva y simpática de las residencias de ancianos —que tanto han sufrido y sufren por el covid— y por su espléndido reparto, que incluye a numerosos actores veteranos españoles. 

Sí, así es. Estoy muy contenta, por supuesto. Es la segunda que recibo en mi carrera. Es todo un honor, claro.

Es una pena que a causa de la pandemia -y también, por supuesto, del cambio de hábitos sociales- esta película haya pasado casi sin pena ni gloria por las pantallas.

Bueno, creo que aún se puede ver en algunos cines, aunque no estoy segura. Sí sé que está disponible en plataformas (ahora en Amazon Prime Video y Flixolé)

María José, ¿cuál es el campo de trabajo que tú consideras más importante en la carrera de un actor (bueno, de una actriz en tu caso)? 

A mí, insisto, me gusta todo, pero creo que lo más importante es el teatro; es la madre del cordero. Es la base de todo lo demás

Pero sin embargo para el gran público es posiblemente el medio menos conocido, y por el que los intérpretes no llegan a todos ...

La televisión es un trampolín, evidentemente. Puedes llevar treinta años de profesión en el teatro y si por cualquier motivo haces tres meses de televisión,  te das más a conocer que con toda tu carrera previa.

Eso es cierto. ¡Fíjate por ejemplo en el caso de Mariví Bilbao! ... Toda una vida como actriz y fue aparecer en "Aquí no hay quien viva" ya mayorcita y darse a conocer. 

Fíjate, claro, con todo lo que llevaba a cuestas, parecía que era nueva en esto. Pero es lo que acabamos de comentar que tiene la televisión: Un éxito en la pantalla supone el reconocimiento que no dan otros medios. 

Pues Mª José, sólo nos queda despedirnos de tí y desearte toda la suerte del mundo este próximo viernes y en tu vida en general. Muchas gracias por habernos atendido.

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Entrevista con Mari Pepa de Chamberí, con motivo de su actuación en el C.C. El Madroño el viernes 21 de mayo

 

Entrevistamos a la artista Mari Pepa de Chamberí días antes de su esperada actuación en el Centro Cultural El Madroño, el viernes 21 de mayo a las 19:00 horas.

Entrevista realizada por José Antonio Guzmán y Paula Guzmán

Vicalvablog - Buenos días, Mari Pepa. Llegas a Vicálvaro tras una exitosa actuación  en el Centro Cultural Conde Duque en el marco de la programación del  San Isidro, en unas fiestas marcadas aún por la pandemia ...

Mari Pepa - Sí, tras otra actuacion en el Centro Cultural San Francisco-La Prensa llegó el sábado, Día de San Isidro, y ofrecí mi espectáculo castizo con mucha emoción.  El ambiente era muy distinto al habitual, claro, al de hace dos años por ejemplo. Pero ha sido una suerte poder llevarlo a cabo pese a las restricciones, el ambiente fue más frio pues el público estaba sentado,  distante,  pero todo estuvo my bien controlado y coordinado. Con mucha emoción fue el reencuentro con el público, pues costaba trabajo volver a hablar y cantar, fue como un triunfo estar en el escenario de nuevo tras tanto tiempo y tantas cosas que han ocurrido. 

V. - Sí,  las medidas aprobadas por la pandemia son duras, también a nivel distritos. Entiendo que no es igual actuar en la Pradera, en las Vistillas, que en recintos muy limitados y cerrados ... Pero esperemos que poco a poco todo se vaya normalizando y recuperemos las sensaciones habituales.

M.P. - Lo cierto es que el público estuvo  fantástico, y la organización a la altura, el escenario,  el sonido,... en Conde Duque se esmeran muchisimo. El ambiente, la multitud no tiene lógicamente nada que ver;  desde el escenario en Las Vistillas ves miles de personas, no sólo las que asisten a la actuación , claro, me refiero al entorno, la gente que está disfrutando de la fiesta en general. Pero claro, eso no era posible, todo estaba muy controlado para evitar problemas.

V - Tu imagen es la de una artista icónica de la música más castiza de Madrid. ¿Cómo llevas ser la más reconocida en esta temática, la imagen por excelencia de la música tradicional madrileña?

M.P. - Pues asi es, por desgracia en  estos momentos sólo estoy yo haciendo este tipo de música. Un tema distinto es el cuplé, que está muy bien, pero lo mío es defender la bandera del casticismo neto y puro, de Madrid, y las canciones tradicionales -aunque yo soy compositora y aporto temas- , porque la gente quiere escuchar los temas de siempre. Aunque lo nuevo también les gusta, les encanta,  pero reconozco que hay que incluirlas siempre en el repertorio este  cancionero popular que forma ya parte de nuestra cultura,  y es castizo cien por cien. No prolifera mucho y hay que cuidarlo y mantenerlo para que no se nos muera, esto es lo más importante. Me siento muy contenta de representar a mi pueblo, a mi Madrid, y me da un poco de pena ver que después de mí no hay otras personas, no haya una línea de continuidad, bien hombres, bien mujeres que continuen  este trabajo, y he pensado mucho en esto y quiero ocuparme de ello de modo inmediato, pues de los bailes ya se encargan las Agrupaciones Castizas muy bien y durante todo el año para mantener vivos tanto éstos como las costumbres, pero el tema de cantar es distinto, es  que no hay nadie, quiero ser capaz de aportar alguna solución, estoy ya en ello, en buscar y procurar de algún modo que alguien continue , porque no se puede morir. No es fácil, pero es lo que me preocupa actualmente.

V. - A ver si consigues llevar esta idea a buen puerto. Quería que me dieras tu opinión sobre una idea generalizada, la que identifica esta música tan nuestra, tan castiza, con algo limitado a los mayores ...

M. P. - No, no, eso no es verdad. Ahora no se hace esta programación festiva en la Plaza Mayor, lo han trasladado a Las Vistillas que es un recinto más pequeño, pero recuerdo que allí no cabía un alma para ver los espectáculos castizos. Al público le encanta, da igual la edad que tenga. Es para todos los públicos por supuesto. Hay chicos muy jóvenes a los que ves cantar "La chica del 17" porque les ha gustado y se la han aprendido, la hacen suya. Y esto es sólo un ejemplo ...

V. - Lo que vas a interpretar el próximo viernes es el repertorio más habitual tuyo, más relacionado con las fiestas de San Isidro, pero además tienes un amplio espectro de temas,  pues tu carrera es larga y fructífera, con mas de 30 años en los escenarios. 

M. P. - Sí, comencé con música latinoamericana, lo que para mí era más fácil, pues me sabía los temas y acompañaba con la guitarra. En mis inicios, tras participar en un programa de televisión, formé parte de un grupo, "Los Iguazú", que fue bastante conocido en su momento; luego marché a Holanda y allí puse letra a temas clásicos, de Beethoven y Mozart; al cabo de los años, como echaba mucho de menos mis raíces, volví para España, para mi Madrid,  y desde aquel momento me propuse recuperar nuestra música tradicional, la música castiza por excelencia, defendiéndola por encima de todo. Fíjate que coincidió el inicio de este periodo con la movida madrileña, y allí estaba yo con mi mantón y mi traje, y desde entonces no he parado. En los últimos años he sacado un disco, "Música y liturgia" con cantos destinados a la Santa Misa. Y también he compuesto un pasodoble dedicado al Cuerpo de Bomberos de Madrid, "Héroes de Madrid", porque se lo merecen totalmente. 

V. - Es una pena que este tipo de actuaciones las programemos en torno a las festividades litúrgicas tipicas madrileñas (San Isidro, La Paloma, La Almudena). Y aquí asumo la responsabilidad que tenemos desde las organizaciones en la organización del calendario anual. 

M. P. - Es cierto, y creo que no debería ser así. En otras regiones de España el folclore local no tiene fecha para actuar, no está ligado a las festividades. Creo que habría que reinvindicar esto, no hay que limitarse a estas fechas. En muchos lugares, en colegios de la ciudad, se está realizando buenas actuaciones en este sentido, recuperando la tradición no sólo de la ropa, sino también de los bailes y la música madrileña tradicional. 

V. - Uno de los aspectos más desconocidos de tu trayectoria es tu relación con Gloria Fuertes. ¿Qué me puedes contar sobre ella?

M. P. - Sí, la conocí en un programa de radio en las que estábamos las dos invitadas, y nos caímos muy bien, nos hicimos en seguida amigas. Era una persona encantadora, y creo que es menos reconocida en su país que fuera de él. Era muy simpática, tenía siempre ideas geniales. Era una madrileña de Lavapies que se orgullecía de ello. Estuve con ella hasta los últimos momentos de su vida y tuve la inmensa suerte de componer con ella una canción, "Bebo para verte doble", yo me encargué de la musica y ella de la letra, y luego la grabamos, ella recitó algunas estrofas y yo otras. Finalmente conseguimos editar un disco, "Mosaicos" adaptando el texto de sus obras, un disco de canciones infantiles y villancicos. Pero Gloria fue mucho más que esa persona que identifican muchos como autora dedicada a los más pequeños. Hay que recuperar su figura y su obra.

V.- De acuerdo totalmente contigo. Creo que en los próximos años Gloria Fuertes va a ser reinvindicada. 

Quiero cerrar esta entrevista deseándote mucha suerte, aunque sé que no va a ser necesaria ésta para la actuación de Vicálvaro porque sé positivamente que el público ya está entregado de antemano. La pena es saber que el aforo está tan limitado y que sólo un tercio aproximadamente del público habitual podrá disfrutar del espectáculo. Muchas gracias por tu tiempo, Mari Pepa, y esperamos sinceramente que tengas mucho éxito con tus proyectos. 

La entrada es gratuita y nominativa. Solicitar telefónicamente en el 91 775 31 40 desde el miércoles 19,  de 9 a 14 y de 17 a 20 h. 

En cualquier caso, sólo se podrán reservar un máximo de dos entradas por persona. 

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Entrevista con Delfin Estévez, de "Teatro del Otro Día", que representan "Los figurantes" el 24 de abril.

Delfín Estévez es parte del equipo de la Compañía teatral "Teatro del otro día", y codirige la obra que llevan a escena el sábado 24, "Los figurantes" de José Sanchis Sinesterra. Una breve entrevista nos acerca a su compañía y a la obra que representarán.

Entrevista realizada por José Antonio y Paula Guzmán

VICALVABLOG - Hola Delfín,  buenos días. Queríamos empezar por saber un poco más de la obra que vais a representar, "Los figurantes." ¿Qué crees que puede animar a acercarse al Centro Cultural Valdebernardo el próximo viernes para ver esta obra?  

DELFÍN - Hola, buenos días. Pues cualquiera que quiera pasar una tarde divertida el próximo día 24 se puede pasar por allí,  porque la historia es my atractiva. Básicamente se puede resumir el argumento en que en un gran teatro se va a representar una obra clásica,  e inesperadamente los figurantes, los que están detrás, los que nunca hablan, de repente se rebelan, se ponen en pie frente a los protagonistas, les dicen que ya está bien de no poder intervenir, de hacer de árbol, de fondo. "A partir de ahora seremos nosotros los que digan frases bonitas, a los que aplaudan " ... Encierran a los protagonistas, se ponen delante del público con la intención de hacer mejor la obra  y se arma la marimorena, pues el resultado es completamente caótico, inesperado, sorprendente, pero sobre todo muy divertido.

V - Vamos, los secundarios al poder. Salen de sus habituales límites y ocupan otros espacios. 

D - Sí,  se escapan de la zona de confort obligatoria, de la que no les han dejado salir nunca. Y ahora, !a tomar por saco,  nos ponemos nosotros delante!... Pero el asunto es que ahora no tienen nada qué decir. 

V- No han tenido, no han sabido o no han podido llegar a más...

D - Sí, esa frase casi literal la dice uno de los figurantes. Como nunca nos han dejado hablar, ahora no sabemos qué decir.

V - Dejando un tanto al margen la obra en sí, es que algo llamativo de la puesta en escena es que tendremos mucha gente en el escenario  ...

D - Pues es cierto, vamos a ver una obra con un elenco amplio. En los tiempos que corren no sólo por la pandemia, sino también por la realidad económica del teatro, tanto profesional como de aficionados, no es habitual ver en escena a más de  cuatro o cinco personajes, porque tristemente la verdad es que no hay medios. En este caso se han dado unas circunstancias  muy particulares, mucha generosidad, entusiasmo y ganas por todas las partes, y se ha logrado ver una obra de teatro con dieciocho intérpretes, aportando cada uno de ellos su singularidad  y particularidad artística, lo que en estos momentos queda reservado a la ópera o grandes eventos. En los centros culturales está claro que no es nada normal, 

V - Realmente podremos afirmar que casi casi tocaremos a cuatro asistentes por artista, pues  el Centro Cultural Valdebernardo ve reducido su aforo a poco más de 70 personas. Es una pena,  pero al menos una gran suerte para todos aquellos que puedan acudir.

D - Nosotros tenemos una filosofía que mantenemos desde el principio de nuestra trayectoria: el aforo nos da igual, nuestro compromiso y entrega es la misma para cinco que para quinientos espectadores. Cuando por alguna circunstancia, ahora lógica, tenemos poco aforo,  actuamos con la misma energía; las ganas son las mismas.

V- Un asunto que siempre me gusta comentar es el de la distancia de seguridad, cómo afecta ésto no sólo a los actores, sino también al público, a los espectadores. Las reacciones colectivas, el efecto contagio, no es lógicamente el mismo.  

D - Nos hemos propuesto vivir estas dificultades como retos y como estimulos. Es cierto que el efecto contatgio no es lo mismo ahora, no puede funcionar del mismo modo, pero como intérpretes no queremos vivirlo como un fastidio, sino como un reto. Esta es una obra muy divertida, nos planteamos como un desafío que la gente en seguida entre en la comicidad de la misma, en la locura de sus personajes, en las situaciones limite. Si conseguimos que se empiecen a reír cuanto antes, doble satisfacción. Cada vez que el telón sube estamos ante un reto, y de momento estamos contentos. 

V- "Teatro del otro día" es una compañía de aficionados. Cuéntame sobre vosotros, sobre vuestra trayectoria vital. 

D - Surge gracias a la inquietud de un grupo de universitarios a finales de los 90; inicialmente era una diversión  para los sábados,  que se va convirtiendo en algo más serio y constante. Afortunadamente  no hemos parado ni un solo año desde el ya lejano 1.999; al principio éramos pocos, dos o tres participantes, pero  luego se fueron sumando amigos, conocidos,, incluso estudiantes extranjeros de paso. Llegó a ver años en que incluso montabamos varias piezas en una sola temporada, la gran riqueza era esta mezcla tan peculiar. El proyecto se fue consolidando, incluso con textos propios elaboramos pequeñas piezas...

Nuestra gran suerte es que hemos podido montar nueve proyectos diferentes, tanto en Madrid como en diversos certámenes que nos han llevado por toda España;  ahora mismo es un espacio para crear teatro y para crear convivencia,  y desarrollaros como personas.

V - ¿ Os ha afectado mucho la pandemia, o habeis podido seguir ensayando durante la misma?

D - En los  momentos más duros nos vimos obligados a seguir ensayando a traves del ordenador, lo que nos parecía inimaginable. Pensábamos que iba a ser imposible ensayar a traves de la aplicación "Zoom", sin embargo paradójicamente resultó ser una gran via de escape para ese momento. Cuando nos conectábamos y empezábamos a ensayar on line conseguíamos salir de nuestras casas de algún modo y recalar en las vidas de los personajes, en las situaciones de las obras,... Durante unos meses fueron como te cuento los  ensayos on line y posteriormente, al poder usar los parques,  se decidió que la obra final se iba a hacer al aire libre, y nos fuimos al Parque del Oeste, y allí, con las distancias y todas las medidas de seguridad vigentes, la representamos, A partir de ahí nos hemos ido adaptando a la normativa de modo riguroso, pero ya estamos presencialmente en los ensayos manteniendo distancias y aforos. Colaboramos conuna Escuela de Teatro, "Estudio Ágora",  que nos cede sus espacios y en aulas de este centro nos repartimos los miembros, y hemos podido sacar adelante esta situación. Desde luego que ha sido complicado encontrar lugares para mantener las distancias. 

José Sanchís Sinesterra

V - Háblanos sobre el autor. José Sanchís Sinesterra es seguramente el más destacado de su generación, en la que también encontramos a otros más conocidos, como Albert Boadella, aunque en este caso sus méritos exceden los simplemente teatrales. ¿Qué os ha llevado a elegir una obra suya? 

D - Poder trabajar un texto de Sanchis Sinisterra no sólamente nos atrae porque es uno de los mejores autores españoles del siglo XX, sino también porque es un autentico placer interpretar sus textos;  más alla de que los criticos hablen de su calidad, de que sea reconocido, es que es divertido, placentero, agradable, sus textos están  muy bien escritos, es como un regalo ponerse en la piel de sus personajes. Es verdad que no es una persona tan conocida fuera del ambiente teatral, como pueden tener los directores de cine como por ejemplo Alejandro Amenábar. Dentro del teatro es una de las voces más reconocidas, e incluso fuera del mismo mucha gente lo conoce por "Ay Carmela", y su posterior versión cinematográfica. Sin entrar en el mérito de aquella pelicula es un hombre que enamora. Yo tuve la suerte de ser su alumno durante ocho años,  y este regalo que me dio la vida se lo tenía que devolver, y "Los Figurantes" es una de las obras predilectas de Sanchis Sinisterra. Cuando la escribió acababa de tener el éxito de "Ay Carmela", y decidió escribir una obra totalmente diferente; si ésta tiene sólo dos personajes, la que nos ocupa hoy la  escribió con  veinte mil, podemos decir. No quería hacer sólo algo divertido, sino además una obra con cierto compromiso con los desfavorecidos; sin entrar en etiquetas, pensaba que había que dar la voz a los que nunca hablan, los figurantes.

V - Es que una de las características de su teatro es ésto, dar voz a los menos favorecidos. 

D - Él ha tenido en su trayectoria dos líneas claras; la primera es investigar sobre el propio teatro, algo que ya se puede ver en "Ay Carmela", donde como recordareis  dos cómicos medio encerrados tienen que sacar adelante una obra para que no los maten; En "Los Figurantes" habla de éstos, personas que hacen de bulto y que toman la palabra. Pero como éstas hay otras muchas, en las que el teatro en si mismo, como realidad, como hecho artístico,  se convierte en el protagonista de sus creaciones.

La otra línea es la del compromiso con la realidad, querer mirar el mundo que le rodea y poder aportar alguna propuesta que pueda ser útil para dar soluciones, siempre desde la humildad, que el teatro sirva para pensar y reflexionar, cuales son las causa de la injusticia, por que el mundo es un lugar de enfrentamiento y a veces de dolor, por eso en su obra  hay personajes desvalidos, personajes que luchan por encontrar su lugar y su palabra, un teatro claramente que cree en el ser humno y que hay un mundo posible por delante mejor del que tenemos. 

V- Pues Delfín, muchas gracias por tu colaboración, por facilitarnos realizar esta pequeña entrevista. Nos vemos el sábado en Valdebernardo. Mucha suerte. 

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Entrevista a Pablo San Nicasio,, del Dúo Sonanta, con motivo de su actuación en el C.C. El Madroño el viernes 16

 

ENTREVISTA a Pablo San Nicasio, guitarrista del “Dúo Sonanta”, que actuará en el Centro Cultural “El Madroño” el próximo viernes  16 de abril.

Por Paula y José Antonio Guzmán

Fotos: duosonanta.es

VICALVABLOG - Hola Pablo, buenos días. Querría empezar esta entrevista preguntándote sobre el repertorio que traéis a Vicálvaro el próximo viernes.

PABLO - Hola, pues haremos un concierto instrumental de dos guitarras, que está basado en copla y en flamenco, pero que incluye un amplio recorrido por la música española del siglo XX, incluyendo alguna pieza conocida por todos de clásica, de autores tan conocidos como Falla, Granados o Albéniz. Incluiremos también alguna incursión en el tango. Pero además es un concierto didáctico, pues antes de la interpretación de cada pieza hablamos del autor, de la composición, el contexto histórico  … En el caso del flamenco también comentaremos el palo en el que se inserta ( si es alegría, bulería, tanguillos, …), vamos, le damos un punto pedagógico al evento. Como puedes ver, el fuerte es el flamenco y la copla, pero no sólo va a ser eso lo que van a poder oír los asistentes.

V - Los habituales del Centro Cultural El Madroño suelen ser entendidos de estos géneros …

P - Sí, conozco el Centro. He tenido la suerte de tocar hace unos meses allí acompañando a Antoio Arana en un recital de copla, concretamente cine y copla. Habitualmente acompaño a cantaores y sé cómo es el público  de Vicálvaro.

 

V - ¿Cómo ves el estado actual de la copla, crees que es un estilo residual, cuyo público habitual y casi exclusivo es mayor? ¿Y qué opinas de lo que han podido aportar nuevas figuras como Rosalía o C. Tangana a este género o al flamenco?

 

P - Comparto esa idea, la copla parece circunscribirse habitualmente a gente mayor, lo que no me parece ni mal ni bien; lo que me gustaría es que este género se diera a conocer, se difundiera. De entrada parece un género que no ha de gustar a las nuevas generaciones, pero previamente para saber si es así han de conocerlo. Si no se conoce no se puede opinar. Se le ataca habitualmente mucho y se le acusa de muchas cosas inciertas; es un género castigado, pero que tiene como protagonistas a músicos, letristas y cantantes muy importantes, muy premiadas y reconocidas internacionalmente. Desgraciadamente, esto no es exclusivo de la copla, pasa mucho en general con la cultura española, es una pena.

 V - En este sentido, parece que tenemos en la imaginación colectiva a “folclóricas” o cantantes de raza, como Lola Flores o Doña Concha Piquer, y puede que lo identifiquemos con el régimen franquista, cuando lo cierto es que muchos músicos y compositores del género son de primera categoría, como Quintero, León y Quiroga o las artistas citadas, entre otros muchos …

P - Estas cantantes de las que me hablas no tuvieron la culpa de nacer en esa época. Fíjate, Rocío Jurado fue catalogada como la mejor voz femenina del siglo XX por la Asociación de Críticos de Nueva York, a la que no se le puede acusar de nada sospechosa por su ideología. A veces esos músicos los conocemos por otras cosas, no relacionadas específicamente con su carrera musical.  En España la cultura no se potencia ni valora, si fueran de otro país seguramente se  valorarían más, a lo nuestro habitualmente no le hacemos mucho caso

 V - Por lo que respecta al flamenco, parece que éste goza de mejor fama, pero también está recluido en círculos pequeños. Las obras un tanto heterodoxas, como pudieron ser las de Camarón o el disco “Omega” de Morente con Lagartija Nick están ya lejanas en el tiempo. Puede que sobre todo Rosalía, pero también El Niño de Elche o Miguel Poveda sean figuras más conocidas hoy día, pero creo que sigue siendo algo limitado. Y aquí en Vicálvaro tenemos un vecino que es una figura en el flamenco, Guadiana, pero que apenas es conocido.

P - Sí, de acuerdo. En la  línea de lo anterior, creo que estos recitales en los centros culturales de barrio son muy importantes para dar a conocer estos estilos y estas figuras a los vecinos. Está muy bien que Rosalía o C Tangana se hayan acordado un poquito del flamenco; por su parte Guadiana es un músico excelente, con un compás extraordinario, un soniquetazo. Si fuera un intérprete de otro género sería una estrella. Un cantaor de estirpe, de dinastía, que nos encanta a los aficionados al flamenco. Cuanto más se difunda, mejor. Yo hago todo lo que puedo para difundirlo: soy profesor de universidad, escribo libros, acompaño, hago recitales, todo lo que puedo difundir lo hago, pero creo que ésta ha de ser una tarea de todas las instituciones culturales.

V - Yo creo que los centros culturales de distrito, como base de la pirámide del sistema cultural, tenemos la obligación de difundir estos tipos de música, que la gente mayor disfrute con algo que conocen bien, pero hemos de  intentar llegar a otros públicos más jóvenes, renovar,  porque si no nos quedaremos con un género muerto como ha pasado con la zarzuela de un modo u otro.

P - Efectivamente, éste es un género muy rico, ocupó una época pero se quedó ahí, congelada. La música ha de evolucionar por supuesto, pero las instituciones ha de conseguir que se difunda y conozca lo que esté un poco en segundo plano,  y luego que sea el público el que decida y opine; han de conocer previamente, porque puede que se están perdiendo algo que puede cambiarle la vida.

 

V - El objetivo de la programación de los CC es acercar al público por un lado propuestas culturales de todos conocidas, pero también ampliar ese espectro limitado a otras que estén más ocultas, que no formen parte del “mainstream” por así decirlo. En el  caso de la copla, tenemos que romper con esa concepción de género antiguo, denostado, tal vez para muchos “casposo”… Vosotros en vuestro concierto aportáis algo más, información contextual. Tan importante puede ser “María de la O” por ejemplo como canción popular de los cuarenta o cincuenta como el contexto en que surge.

P - Yo imagino que dentro de cincuenta años los niños y jóvenes tendrán la misma imagen de nosotros, y no creo que nos haga mucha gracia que nos digan eso,  que somos casposos  o anticuados; esto es un recurso  fácil,  sin base histórica, falta que tengamos una opinión sobre algo fundado, no sobre una opinión sesgada y sobre todo ignorante.

V - Los ritmos sudamericanos que incluís en vuestra actuación, ¿pensais que tienen más tirón que la copla o el flamenco, que tienen mejor imagen para el gran público?

P - No solo los sudamericanos, cualquier cosa que venga de fuera en general tiene mejor mercado. Como decía un periodista conocido, en España enterramos muy bien, pero antes de ese momento no le hacemos mucho caso. Sí, vamos a tocar tango, pero en general en nuestro repertorio  tocamos más estilos, blues,  jazz … Estoy seguro  que el público de España, si lo conociera más a fondo preferiría lo nuestro, pero de entrada como es más nuevo parece que interesa más lo exterior;  no  lo tenemos tan a mano y parece que al principio interesa más. Pero estoy seguro de que si a la gente le dieran 5 kilos de club de jazz y 5 de tablao flamenco, el sexto kilo  lo querría de tablao. Es un experimento que habría que hacer, pero creo que se inclinaría por esto porque lo otro  parecería demasiado denso. Pero no tenemos prejuicios con ninguna corriente y tratamos de difundirlas todas.

V - En vuestro repertorio también se incluye algún tema de música clásica  española, como Granados,  Albéniz, Falla, …

P - En cualquier evento o concierto no fallan, quien no conozca Concierto de Aranjuez o Asturias, son músicos universales. Se trata de temas que a todos nos suenan y muy queridos por los asistentes a nuestros conciertos.

V- Pues mucha suerte Pablo, y nos vemos el viernes a las 19:00 horas en el Centro Cultural El Madroño.

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Entrevista con Jorge Cassino, director de "Lombrices". Teatro en El Madroño, 26 de marzo

 

Entrevistamos a Jorge Cassino, director de la Compañía "Dekomikos", que representarán "Lombrices" e próximo viernes 26 en el Centro Cultural El Madroño. Argentino de dilatada carrera, nos responde encantado a esta sucinta entrevista con motivo de la puesta en escena de esta premiada obra. (Premio Certamen de "Teatro de Humor" por el Instituto Nacional de Teatro de Argentina)-

Por Paula Guzmán y José Antonio Guzmán

Buenos días, Jorge. Quería empezar esta breve entrevista por algo que me ha llamado la atención de la dilatada carrera de “Dekomikos”: Habeis llevado a escena un montón de obras de autores variopintos, tanto españoles como sudamericanos. Esta gran diversidad a la hora de decidir la obra a representar, ¿responde a una búsqueda de nexo común entre éstas, o bien en los intereses o temas de los autores, o simplemente es casualidad?  

 

Bueno, a  veces son ofrecimientos que nos llegan, pero en cualquier caso el primer paso para llevar a escena una obra es que el material te tiene que gustar. Últimamente nos hemos inclinado por la comedia, como un género que permite tratar temas importantes de un modo más liviano, pero que no quita profundidad: En “Lombrices” o por ejemplo en la anterior obra representada, “Compañía” se tratan temas importantes pero con humor, a través de una visión más galante o cómica que permiten aceptar ciertas cosas con una sonrisa,  aunque sean temas duros.

 

Jorge Cassino con las dos intérpretes de "Lombrices"

Muchos de estos autores escogidos rondan la cincuentena. ¿Tiene esta generación algo en común que te interese especialmente?

 

Sí, es cierto que hay muchos autores en ese entorno de edad, por ejemplo Pablo Albarello -autor de “Lombrices”- tiene unos 50, el anterior era algo mayor. Pero no es una condición importante, lo importante es su conocimiento de la estructura teatral, de lo que quieren contar, que nos toque emociones, pensamientos, los textos tienen que transmitir..,

 

“Lombrices” habla sobre dos mujeres mayores que viven en un mundo ligado al pasado, y están encerradas en su casa. Esta situación coincide con la actual pandemia. ¿Ha sido casualidad o  habéis aprovechado este contexto para llevarla a escena?

 

Realmente fue casual, pues estrenamos esta obra en septiembre del 19 en la sala La Encina en Madrid, previo por tanto a todo esto que está pasando. La obra plantea una situación realmente similar, pues se trata de dos mujeres que viven en su pisito, y están ajenas a todo lo que ocurre fuera; el espectador no sabe si quieren ignorarlo adrede o es que no se enteran, pues algo importante está pasando fuera y ella están recluídas en su pequeño espacio habitable. Luego la pandemia nos metió a todos en casa y ciertamente,  son las sorpresas que te dan las obras a veces, la realidad las resignifica. Pero no, ya ves que cuando lo estrenamos no había  pandemia. Por alguna razón estas señoras no quieren salir ….

 

¡Eso habrá que descubrirlo en El Madroño el día 26, no vamos a avanzar nada por ahora!. Quería preguntarte por otra parte por el “grotesco argentino”, un género teatral del que la mayoría no sabemos nada, y en el que se enmarca esta obra. ¿Puedes explicarnos brevemente cuáles son sus características?

 

 

Aunque aquí no se llame así, también hay autores que emplean sus técnicas. De un modo simple se podría definir como una mezcla peculiar de risa y llanto. Se producen situaciones en las que te estás riendo de algo que te hace llorar, o estas llorando por algo que no deja de ser gracioso. Hay dos ejemplos en películas muy conocidas que pueden ayudar a entenderlo: Tanto en la francesa “Intocable” como en  la española “Gigantes” encontramos estas técnicas. En la primera se cuenta la historia de un hombre tetrapléjico y su cuidador, y en la segunda la de un grupo de discapacitados que entrenan y juegan al baloncesto; en ambos filmes, el humor esta cuidado de una manera  muy cuidadosa pero la situación de partida es muy trágica. La relación y la acción que se desarrolla despierta al menos sonrisas,  si no risas claras en ciertos momentos. Hay autores muy conocidos que trabajan en esta línea y su obra ha sido representada en España, como Mauricio Kartun. Los argentinos tenemos como por herencia, por ósmosis, la posibilidad de reunir en una misma obra la comicidad y el drama. En el caso de “Lombrices” las protagonistas son dos mujeres ancianas que tienen un secreto compartido desde hace tiempo, es una situación de suspense pero se ve condicionada por la avanzada edad, pues tienen movilidad limitada, el discurso a veces se les va de la cabeza, el pasado está siempre presente … La vejez provoca dolor, pero ¡cómo me río con lo que está pasando!. Pero eso sí, esa risa siempre surge con un profundo respeto en el tratamiento, no nos reímos de una persona mayor por su situación, nos reímos porque a veces tanto dolor hace reír … Es una situación ambigua. Muchos espectadores me han comentado que en su interior, al ver la representación, se preguntan “¿De qué me estoy riendo, si esta situación es tremenda?”. Esa pregunta es la que de alguna manera queremos instalar en el espectador amén de otras muchas cosas.

 

Dado que tenemos dos mujeres protagonistas, supongo que estamos ante una obra de continuos diálogos …

 

Sí, por supuesto. Pero hay continuos diálogos y continuos silencios, y miradas, y otras muchas cosas que no se pueden explicar, que tienen que ver con el trabajo de las dos actrices.

 

Vuestra obra está programada para celebrar el Día Mundial del Teatro. ¿Tú crees que estos eventos internacionales tienen sentido a día de hoy, valen para algo o por el contrario crees que hay que seguir apostando por ellos?

 

Por supuesto que hay que celebrar este día, me parece extraordinario. El teatro por ahora es el único género que no se puede reducir a Internet, porque, ¿por qué vamos al teatro con la inmensa oferta de series,  programas de televisión,  películas, …? Pues porque el teatro mantiene algo irreductible:  la intimidad de estar con otras personas que nos acompañan en una misma sala, tanto actores,  músicos u otros espectadores,  con los que compartimos el dolor, la alegría, la emoción, en un mismo espacio y en un único momento irrepetible. Eso nos hace vibrar y al menos de momento  no se puede bajar de internet. Tú puedes ver a actores inmensos, por ejemplo a  José Bódalo en algún viejo Estudio 1,  pero la emoción de estar enfrente del actor no es repetible. Por eso el teatro está vinculado a la vida, porque es muy efímero. Cuando termina, termina. No hay posibilidad de repetir. Cada función es una nueva historia, a pesar de que sea el mismo guion o cuente con los mismos actores y actrices, pero estas vinculando  otra situación que ya no es la misma.

 

Y también hay que recordar lo que ha pasado tras la apertura de las salas, tras el confinamiento: Los espectadores estaban esperando ocupar su localidad, volver a estremecerse frente al escenario. No hay modo de reemplazar los actos escénicos presenciales.

 

De eso te quería preguntar ahora; el aforo del Centro Cultural El Madroño se ha visto reducido considerablemente, pues apenas disponemos de unas 70 plazas cuando dispone de 240, con la consabida distancia de seguridad. Esto os tiene que afectar a las Compañías, esas sensación tan particular del aforo completo ahora mermado por las medidas tomadas.

Sí claro, la circulación continua entre público e intérpretes, y en sentido contrario, esa extraña química que se da en el teatro, se diluye cuando hay mucha menos gente. Esto se nota mucho en  comedias,  como es este caso. Hay  muchas situaciones humorísticas, y la risa es algo que se contagia; la gente no se ríe habitualmente sola; uno se ríe y el de al lado también, y el de más allá … El llanto es más individual, por supuesto. Lo que ahora ocurre es que escuchamos risas pero aisladas, debido al distanciamiento, claro.

 

Antes de finalizar la entrevista quiero avisarte de una particularidad de esta obra: las dos actrices son relativamente jóvenes, mucho más que sus personajes. Esto es habitual en teatro, claro, pero lo que no es tanto es lo que hacemos en “Lombrices”: el juego de la transformación en el escenario, pues en algún momento de la obra vuelven  a su papel  de actrices que transforman el espacio, y de nuevo vuelven a ser las  viejitas. Es un juego de metateatro, teatro dentro del teatro para poder mostrar cómo se hace un espectáculo,   en este caso con dos personas que son mucho mas jóvenes

 

Sigues añadiendo razones para acudir a El Madroño a presenciar esta representación…

Pues muchas gracias Jorge. Nos vemos el próximo 26 en El Madroño, para disfrutar de “Lombrices”.

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Entrevista a Teatro Mutis, autores de "Las aventuras de la intrépida Valentina", el 6 de marzo en Valdebernardo

 

 

Teatro Mutis es una Compañía con larga trayectoria, con participación muy activa en festivales tan conocidos y tan importantes como Titirimundi, FETEN de Gijón, Teatralia … Los tendremos en el Centro Cultural Valdebernardo el próximo sábado 6 de marzo con su espectáculo "Las aventuras de la intrépida Valentina".  Queremos conocer un poco más de ellos y de sus obras con esta breve entrevista a Carlos Hernández, representante de la misma. 

Hola Carlos. Quería empezar por una pregunta que es obligada. ¿Habéis notado en estos más de veinticinco años de carrera una evolución en los públicos o, por el contrario, las reacciones de los asistentes a vuestros espectáculos han sido más o menos las mismas?

- Si, hemos asistido a una considerable evolución, pero también a involución en cierto modo, sin llegar a ser pesimistas; hace unos treinta años no había un público formado, educado, se estaban abriendo los teatros públicos, todo era una experiencia innovadora, pues ni el público sabía que iba a ver, ni nosotros conocíamos  a quién nos íbamos a enfrentar al otro lado de la escena. Poco a poco se fue normalizando todo, y hubo unos años de absoluto entusiasmo -con dos funciones diarias que se llenaban-, … En fin, años muy buenos, entre finales de los 90 e inicios de los 2000, con todo consolidado. Luego llegó la crisis, por un lado económica, pero sobre todo en nuestro caso derivada de la evolución de modos de comunicación: los móviles y las redes sociales. Chavales muy jóvenes, a partir de nueve o diez años, comienzan a tener otras expectativas y dejaron de venir al teatro, lo digo claramente: no es pesimismo, es una realidad. Nuestros espectáculos han sido siempre (y siguen siendo así) muy divertidos y dinámicos; cuesta mucho atraer a este grupo de edad, que luego se lo pasa muy bien viéndolos y participando, pero realmente están en otro mundo, en otro tipo de comunicación, prima el mensaje visual. Se ha complicado mucho la asistencia de éstos, y ahora con el coronavirus ni te cuento, esta segunda crisis es tremenda. No sé qué va a pasar después, si va a cambiar de alguna manera e igual viene con más fuerza, como ha ocurrido en otros momentos, o se cae aún más porque el mundo de las redes sociales se ha hecho más fuerte con el confinamiento.

 

Es cierto que, desde el punto de vista del programador, comprobamos que el público que suele acudir a espectáculos de marionetas, títeres, guiñol, … es cada vez más pequeño; la asistencia de esta “infancia mayor”, por definir de algún modo a estos chicos y chicas algo más mayores, casi preadolescentes, es menor.  También tendremos que entonar el mea culpa desde este lado de la Administración.

 

- Yo no he querido meterme en cuestiones de culpabilidad; realmente es un fenómeno que está sucediendo con independencia de lo que programes; hay que seguirlo, observarlo, si queremos trabajar y que sigan viniendo a los teatros y a los centros culturales. Podríamos modificar nuestra actividad, haciendo cosas para colgarlas en las redes sociales, convirtiéndonos en “youtubers”, … Pero lo cierto es que al menos en nuestro caso no queremos cambiar; ésa es otra realidad, otro mundo. Creo que el planteamiento tradicional tiene unas caracteristicas irrenunciables, hay que estar expectantes a ver qué sucede, cómo evolucionan los públicos, pero en cualquier caso soy optimista.

 

- Cuando apareció el cine, muchos decían que el teatro iba a desaparecer, y ya ves, en los años ochenta y noventa tuvimos un fuerte resurgir tanto del teatro público como del privado. Ahora mismo lo que tenemos que hacer es seguir intentando hacer las cosas lo mejor posible, pero la incertidumbre está ahí presente, no sabemos qué va a pasar; no es cuestión de entonar un mea culpa desde cualquiera de los sectores que trabajamos en esto. Creo que se trata de adaptarse, presentar propuestas atractivas, tanto para el creador como para los públicos, sean niños, jóvenes o adultos. Todos compartimos intereses. Pero las formas de compartir han evolucionado mucho, y por ejemplo la importancia que para nosotros tiene el directo, que es sustancial, no estoy seguro de que, para jóvenes y niños, que están muy acostumbrados a visualizar el mundo a través de una pequeña pantalla, lo sea tanto. 

Parece obligado preguntaros por la pandemia, de qué manera os ha afectado: En las artes escénicas, es tremenda pues limita aforos, marca distancias, impide la relación directa …  ¿Cómo lo afrontáis en vuestro caso?

 

- Nos ha afectado mucho. Nuestros espectáculos son muy participativos, y con alguno de ellos hemos tenido que anular gira por ser imposible su ejecución, y en otros muchos casos hemos tenido que readaptarlos a las circunstancias. La participación se limita a la verbal, con la distancia por medio. También es muy evidente el carácter negativo de la situación por el número de asistentes y la distancia entre ellos. Perdemos el efecto amplificador que tiene el grupo de personas, el conjunto. Si de repente en el espectáculo hay algo que es gracioso o emocionante, si están juntos los asistentes les ves temblar, cómo se mueven, cómo se ríen, crece la risa. Ahora, con una risa suelta casi te emociona; pero la gente vuelve la cabeza, es extraño, son sensaciones extrañas, esperamos que sea breve y pasajera.

 

 

 

 

Todas vuestras obras representadas contienen una simpar mezcolanza de actores, muñecos grandes y títeres de menor tamaño. Todo ello con una atención que borda el preciosismo, cuidando mucho la estética. Entiendo que dais muchísima importancia a estos aspectos en la puesta en escena, ¿no?

 

- Pues es cierto. Tanto a chicos como a adultos les gusta este cuidado del detalle. Usamos mucho la imagen; tomamos como modelo los libros ilustrados, que han evolucionado mucho en los últimos años. Los cuentos infantiles con ilustraciones tienen mucho valor añadido al texto, están sumamente cuidados. El mundo de los ilustradores es ahora increíble, por calidad y variedad, y lo que intentamos es que, al igual que uno abre el libro y mete la cabeza ahí, abramos el telón -aunque casi nunca lo hacemos porque ya está abierto- y los asistentes se sumerjan a la vez en la estética y en la historia, como si lo hicieran en una aventura ilustrada. Este es nuestro objetivo, y funciona muy bien. Como comentaba antes, nos cuesta porque han cambiado las costumbres por las nuevas tecnologías y todo lo comentado previamente, el lenguaje puede ser en principio algo distante o extraño, pero también es cierto que cuento acuden, entran en la historia y les encanta, lo pasan muy bien.

 

Lo cierto es que algo tiene que tener el mundo de los títeres para gustar generación tras generación. Algo tienen que atrapan, que atraen...

 

- En la pantalla estás viendo un golpe de electrón en un cristal, esas imágenes toman vida. Lo que estás viendo en un teatro está muy preparado, muy ensayado; los títeres son meros objetos inertes, pero cuando los ves en una actuación están vivos. Es un proceso mágico que te embauca y te lleva...  Ha sido siempre así; lo puedes ver en cualquier momento en la cara de niños y adultos:  si coges una simple caja de cartón, según como la muevas y hables con ella,  gana vida y de repente generas una historia que sorprende, se les abren los ojos y se quedan atónitos, Eso ha funcionado siempre en todos los medios; en el cine igualmente tras un guion bien preparado  aparecen aventuras y paisajes increíbles, que te dejan perplejo.

 

Cuando yo era muy joven veía embobado a La Bruja Avería en la tele, en “La bola de cristal”. Eran títeres para otros públicos, en este caso juvenil. Está claro que es un medio empleable o dirigible a todas las edades.

 

- Por supuesto, en sus comienzos los espectáculos estaban pensados para adultos; cuando surgió el guiñol en Franci, contenía critica social fuerte, aunque también se crearon espectáculos y bromas para niños... Este mundo de ilusión lo viven con más intensidad los pequeños, no hay que dudarlo, pero funciona tanto con pequeños como con mayores esa transformación, esa vivificación del objeto con la manipulación, con esa transformación mágica. En concreto, en el caso que comentas, había una cuestión de forma y contenido que hacía partícipes a los jóvenes, que les sintiera integrados con los personajes de “La bola de cristal”, pues decían cosas que títeres clásicos no decían, aunque lo cierto es que los esquemas sí que eran de narrativa clásica. Al final el producto funcionaba fenomenal.

 

Cuéntanos un poco del espectáculo que presentáis aquí en Vicálvaro el próximo 6 de marzo. “Las aventuras de la intrépida Valentina”. Coincide con la fecha del 8 de marzo. ¿Podemos decir que esta obra contiene un mensaje relativo a la igualdad de género?

 

- La palabra “mensaje” es dura, en el sentido de que parece que yo sé algo que los demás desconocen; este no es el objetivo. Yo analizo las cosas, las expongo y después que cada cual extraiga sus conclusiones¨; hay reflexión, pero no exactamente un mensaje. A veces la gente quiere un mensaje explícito. Pero en esta obra no lo hay; cuenta la historia de una joven cuya abuela es denunciada en una ciudad de cuento, con normas muy machistas, por haber entrado en “La casa de la sabiduría”, donde no podía acceder por ser mujer, y la van a a castigar sobremanera por no cumplir las normas. En ese contexto, la nieta decide ayudarla a escapar, arriesgándose ...  Pasan muchas cosas y tiene que irse a un lugar recóndito, “El valle tenebroso” para poder ayudarla. Son muchas aventuras que reflejan unas costumbres que no son muy distintas de las que había aquí hace unos años, y que aún siguen vigentes en otros muchos sitios, ciertas cosas están prohibidas para la mitad de la población, las mujeres. En un país donde esto está superado, en el que la educación es para todos y todas, podrán pensar los chavales: ¿de qué me están hablando?, pero lo cierto es que éstos no son ciegos y notan que en otros lugares sí pasan estas cosas, sacan conclusiones. También nos podemos meter con los porqués, lo que refleja el espectáculo es que hay una igualdad total de condiciones y dificultades para varones y mujeres; ambos son iguales antes las dificultades que surjan. Hacemos una aventura basada en circunstancias reales o posibles, y muy cercanas.

 

Pues nada más, sólo desearos mucha suerte y que todos nuestros vecinos, grandes y pequeños, puedan disfrutar con esta actuación que inicia el mes de marzo.  Nos vemos en Valdebernardo el próximo sábado.

 Puedes conocer más de Teatro Mutis y de esta obra en su web

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